Картина одиночество

11.04.2019

Абсенту, этому популярному напитку, посвящена ни одна картина великих мастеров. Достаточно вспомнить яркую и сильную по своему воздействию работу Дега «В кафе», которую часто также именуют «Любительница абсента». Пикассо не смог обойти сторону эту тему, написав удивительную и очень узнаваемую картину в 1901 году.

В этот период мастер увлёкся творчеством Дега, Гогена и Тулуз-Лотрека, переняв от них особенности построения композиции и необычный тонкий цветовой колорит.

Картина удивительно точно передаёт неуловимую романтику французского кафе начала 20 века, где завсегдатаи в тесной обстановке коротают вечера за бокалом крепкого дурманящего напитка.

Полотно лишено всего избыточного, лишнего. Пикассо впервые прибег к обобщённой трактовке, оставив на картине только самое главное – фигуру женщины. Она задумчива и закрыта. В глазах читается чрезвычайная сосредоточенность на своих мыслях, на губах мелькает горькая саркастичная усмешка.

Правая рука героини непропорционально велика, и в этом тоже можно усмотреть скрытый смысл – женщина как будто загораживается от внешнего мира, стремится защитить себя. Лицо угловато, однако, обладает большей живостью, нежели остальная фигура, будто бы вылепленная из камня и неподвижно застывшая.

Образ трагичен и одновременно чрезвычайно напряжён.

Картина лишена сложных полутонов, затейливой техники – автор сухо и лаконично, однако, полностью раскрывает внутренний мир женщины за бокалом абсента.

Одни видят в ней глубоко несчастного человека, погружённого в свои невесёлые мысли, другие же смеют предположить, что изображённая на картине представительница художественной богемы, так как именно в этом творческом кругу был так популярен абсент.

Для воплощения сюжета художник выбирает контрастные краски – синий, бордовый, белый. Этот необычный колорит призван подчеркнуть заброшенность и одиночество главной героини.

Сегодня эту работу можно увидеть в Эрмитаже, она производит колоссальное впечатление по силе драматизма. Изображение любительницы абсента кисти Пикассо стало очень популярным – очень много сделано стилизованных репродукций, сувениров, встречаются даже футболки со знаменитой угловатой героиней.

Картина стала одной из последних «разноцветных» работ Пикассо, очень скоро мастер погрузился в крайнюю печаль и тоску своего «голубого» периода.

Картина испанского художника Пабло Пикассо «Любительница абсента» 1901 г. Холст, масло. 73 x 54 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия

«Любительница абсента» Пикассо

Сюжет

В темном зале ресторана средь веселья и обмана показывает Пикассо любительницу абсента. Погруженная в себя, она совершенно безразлична к происходящему. Тело ее, словно, стало монолитом, который мерно покачивается в такт приходящим и уходящим мыслям и образам. «Любительница абсента», 1901. (wikipedia.org)

Абсент, стоящий на столе, — своего рода портал в мир забвения, где отступают тревоги дня, болезни и страх. Алкоголь не решает сложностей — утром на похмельную голову вновь обрушатся все те же передряги, — но он отключает героиню от реальности. «Любительница абсента», 1901. (picassolive.ru)

Тот мир, который мы видим на полотне, — это одновременно и интерьер одного из многочисленных дешевых кафе на Монмартре, и пространство фантазии. Зритель теряет связь с реальностью, как и любительница абсента. Используя клуазонизм — уплощающую манеру живописи, — Пикассо переключает наше внимание на нематериальный мир. «Абсент», 1901. (wikipedia.org)

Контекст

Полотно создано под влиянием Поля Гогена, Анри Тулуз-Лотрека, Эдуарда Мане, Эдгара Дега. По сути, все современники, к началу XX века успевшие заявить о себе, так или иначе, процитированы.

Это касается и стилистики, и сюжета: тема одинокого человека, оказавшегося за бортом и ищущего забытья, облегчения душевной боли в рюмке, была очень популярна в конце XIX века.

У самого Пикассо существует несколько интерпретаций сюжета, почти копирующего «Любительницу абсента».

Эдуард Мане «Любитель абсента», 1859. (wikipedia.org)

Эдгар Дега «Абсент», 1876. (wikipedia.org)

Поль Гоген «Кафе в Арле», 1888. (wikipedia.org)
«Абсент», 1901. (wikipedia.org)

В какой-то мере эта картина — портрет души Пикассо. Нищета, отсутствие заказов, смерть близкого друга Касагемаса, общая неустроенность стали испытанием, преодолевая которое живописец, конечно, мог точно так же искать забвения в рюмке.

Тема одиночества и опустошенности вскоре зазвучит в голубом периоде, для ее раскрытия Пикассо будет писать равных ему по статусу представителей низов — нищих, бродячих артистов, проституток, бездомных. Пабло Пикассо «Арлекин и его подружка. Странствующие гимнасты», 1901. (wikipedia.

org) Пабло Пикассо «Женщина с шиньоном», 1901. (wikipedia.org)

В это время художник был настолько беден, что у него даже не было холста. Для «Любительницы абсента» он взял прежнюю работу, замазал ее и воспользовался обратной стороной. В результате цвета звучат матово, приглушенно — как усмиренная на время тоска героини. Загнанная, зажатая, она стискивает себя руками, так неестественно сплетенными.

Судьба художника

Пабло Пикассо родился в 1881 года в Малаге. По легенде, младенец был так слаб, что акушерка уже было подумала, что он мертв. Но дым от сигары дяди, стоявшего рядом, пробудил ребенка.

https://www.youtube.com/watch?v=_NaTRh-MPes

Обладая классической испанской вспыльчивостью, Пикассо не тратил времени на обуздание нрава. Любое слово критики в его адрес вызывало гнев. Это было основной причиной незаконченного образования и частых конфликтов Пикассо с людьми.

Из Малаги он переехал в Барселону, где ему было все же тесно, а затем — в Париж. Здесь же в 1901 году состоялась первая выставка Пикассо. Конечно, провальная — провинциал-испанец не воспринимался серьезно взыскательными парижанами. Для самовлюбленного и амбициозного юноши это фиаско было испытанием потруднее нищеты. Но и его он преодолел. Автопортрет, 1901−1902. (wikipedia.org)

В Париже художник жил в районе, где было опасно появляться на улицах одному и без оружия. Но такие мелочи только накаляли атмосферу и заряжали Пикассо жаждой жизни. В те годы он позволял себе все: любовница сменялись одна за другой, связи с мужчинами, алкоголь, опиумные запои.

С наркотиками было покончено только после самоубийства художника, повесившегося от нищеты. Пикассо испугался, что, будучи в наркотическом опьянении, он рискует перейти черту и поддаться отчаянию.

Для Пикассо не было жанровых рамок. Он работал с любым материалом, который мог помочь выразить идею.

Тот же абсент и его любителей художник не только писал, но и лепил. Также Пикассо известен как график, дизайнер, специалист по керамике, костюмер и декоратор, поэт и драматург.

Как человек, чье становление пришлось на смену веков, он был универсальным артистом, который, с одной стороны, намеревался затмить предшественников, с другой, — был погружен в поиски нового визуального языка. Это объясняет и частоту, с которой он менял стили.

Традиционно принято выделять 11 периодов творчества Пикассо: ранний, голубой, розовый, африканский, аналитический кубизм, синтетический кубизм, классицизм, сюрреализм, предвоенный, послевоенный, поздний. Как-то художника спросили, какой из периодов ему ближе. На это Пикассо растопырил пятерню и ответил: «Как вы думаете, какой из пальцев мне наиболее дорог? Они нужны мне все!»

Пикассо был переполнен энергией. У него было несколько жен, несчетное количество любовниц и любовников, законные и внебрачные дети. Живописец говорил: «К несчастью, а может, и к счастью, я смотрю на вещи через призму любви». С возрастом он выбирал дам все моложе, повторяя: «Если я живу с юной, это помогает и мне оставаться юным».

Пикассо приписывают десятки тысяч работ. Точно же оценить масштаб его художественного наследия не может никто — цифры варьируются от 20 тыс. до 100 тыс. картин.

1. Hermitage.ru
2. Newestmuseum.ru
3. Artchive.ru
4. Picassolive.ru
5. Александр Таиров – о художниках // .com

NeWestMuseum Музей нового западного искусства

Художественные образы, мотивы

Пабло Руис Пикассо
Любительница абсента
Увеличить

В левом углу картины Пабло Пикассо «Любительница абсента» рама зеркала и полуабстрактые отражения в нем – очень важная деталь, напоминающая о присутствии каких-то иных обитателей заведения, снующих перед глазами героини, в то время как сама она застыла в неподвижности и никого не замечает.

Одинокая женщина

В начале 1901 года Пабло Пикассо обращается к изображению женщины за рюмкой абсента, что приводит его к созданию целой серии из трех работ. Первой был «Абсент» (частное собрание), где женщине южного типа, скорее всего не парижанке, зашедшей в кафе с зимней улицы, Пикассо придает несколько хищный и настороженный вид.

Пабло Пикассо
Абсент1901Картон, масло. 67,3х52Частная коллекция

© Bridgeman / Fotodom 

Левая рука приставлена к уху (она во что-то вслушивается), правой кладет кусочек сахара в рюмку с абсентом. Стиль напряженный, выдающий знакомство с искусством Винсента ван Гога.

В том же году Пикассо снова обращается к этому образу, выбирая совершенно иной типаж героини.

Женщина, на этот раз северного склада (все тянутся в Париж), показана на желтом, словно бы наэлектризованном фоне, где видны контуры танцующих, тесно сплетенных фигур.

https://www.youtube.com/watch?v=9LuePcnEO4c

Пабло Пикассо
Абсент1901Бумага, гуашь, пастель

Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Эта сцена второго плана происходит, по-видимому, не в реальном кафе, а в воспаленном сознании женщины (галюцинация, вызванная абсентом). Таким образом рюмка абсента на переднем фоне становится ключом к пониманию сюжета.

Однако эта композиция не вполне удовлетворила художника. Ему предстояло сделать еще один шаг, чтобы достичь невероятной лаконичности и неожиданной живописной выразительности.

Новая композиция, несомненно, была связана с «Кафе в Арле» Поля Гогена, находившемся тогда в галерее Амбруаза Воллара.

Знакомство с этой работой выдает сразу несколько деталей – синий сифон на переднем плане и коричневато-красный фон стены, прическа темноволосой женщины, однотонная темная одежда. Картина необыкновенна по жестикуляции.

Одна рука «Любительницы абсента» поддерживает подбородок – эта деталь перенесена из предыдущей пастели, а другая судорожно обхватывает плечо, так что вся фигура кажется сжавшейся в комок. Женщина загнанна в угол буквально и метафорически.

Физиономически она не походит на двух прежних «любительниц». В ее лице читается жесткость и упрямство.

Жест правой руки, обхватывающей плечо, Пикассо, по всей вероятности, позаимствовал у своего испанского современника Сантьяго Русиньоля, который воспроизвел подобный жест в «Морфинистке» (1894, музей Кау Феррат, Ситхес), показывая страдания женщины, сходяшей с ума.

Сантьяго Русиньоль
Морфинистка1894Холст, масло. 83,7×115

Музей Кау Феррат, Ситхес

В картине Пабло Пикассо «Любительница абсента» силуэт сифона и рюмки со спиртным служит противовесом человеческому силуэту. В собрании С. И. Щукина картина называлась по-русски «Пьяница», а по-французски «Buveuse d’absinthe», что звучит несколько мягче («Пьющая абсент»). Абсент был запрещен во Франции во время войны в 1915 году, а в Швейцарии еще раньше, в 1906 году.

Любительница абсента картина Пикассо

2 февраля 2017, Люди

История создания и смысл картины Пабло Пикассо «Любительница абсента».

«Любительница абсента» – одна из самых известных картин великого испанского художника Пабло Пикассо. Картина была написана в 1901 году. Холст, масло. Размер: 73х54 см. В настоящее время картина находится в Государственном музее Эрмитаж, Санкт-Петербург.

На картине представлена женщина, которая сидит за столиком в кафе и пьёт алкогольный напиток — абсент. Абсент в те времена был очень популярен.

Полынный напиток славился своей особенностью погружать человека в мир иллюзий и глубоких размышлений. На своей картине Пикассо изобразил женщину, которая в полном одиночестве сидит за столиком кафе.

Перед ней стоит бутылка абсента и стакан. Картине присущ ярко-выраженный драматизм ситуации и даже трагичность.

Всё говорит о том, что после выпитого напитка она находится в своих пьяных иллюзиях, предаётся невесёлым воспоминаниям или размышляет о своём нелёгком будущем.

Подействовал ли так на неё абсент или женщина сломлена тяготами жизни, а может одно является следствием другого? Над этим Пикассо просит поразмышлять самих зрителей.

Особое внимание может привлечь положение рук женщины. Одна рука поддерживает подбородок, что говорит о размышлении, также это может говорить об усталости и отчаянии любительницы абсента. Вторая рука, которая на картине непропорционально большая, обхватывает плечо.

Существует также предположение, что на своей картине Пабло Пикассо изобразил представительницу художественной богемы. В те времена абсент был крайне популярен у художников, так как данный напиток считался особенным, способным вдохновлять и наводить на особенные размышления.

В те времена ему приписывались даже мистические способности уносить человека за грань реальности. Так или иначе, главным на картине является даже не сам образ реальной женщины, а её мысли, воспоминания, размышления и даже иллюзии. Пабло Пикассо подчеркнул эту особенность размытым окружением.

https://www.youtube.com/watch?v=qe1pyfVkgI8

Таким образом, зритель как бы видит картину глазами любительницы абсента, для которой всё окружающее неважно и второстепенно.

Видео:Одиночество. | СтихСкачать

Одиночество

essential_dali 

«Одиночество» (1931 г. холст, масло)

Для Дали, одиночество было очень важной составляющей его жизни. Он проводил много часов наедине с самим собой, и такая изоляция была крайне важна для его творческого процесса.

Перед  тем как они с Гала стали по-настоящему близки,  он даже хотел сбросить ее со скалы, близ которой они прогуливались. Дали объяснил этот свой порыв, как следствие страха, который он испытывал любя ее.

Ему казалось, что Гала – это угроза его личности, что она появилась дабы уничтожать, истребить его такое ценное одиночество.

Пейзаж «Одиночества» довольно мрачен. Небо почти бесцветно, а земля скрыта тенями.

Слева изображен склонившийся  лицом к скале худой, обнаженный мужчина. Кажется, что голова его тоже сделана из скалы, внутри которой, видны, напоминающие по форме яйца, камни. В правом плече мужчины отверстие, из которого видны ракушки и окаменелые ракообразные останки.

Сальвадора Дали  очень привлекали всякого рода ракообразные, из-за их врожденной способности защищать сою внутреннюю ранимость и мягкость.

Образ “одиночества” появляется в таком же виде в работе «Просвещённые удовольствия»: рядом с автопортретом.

Красивая картина. Очень трогательная. Чем-то мне даже напоминает детскую обиду.

 essential_dali 

«Постоянство памяти» (1931 г.)

«Постоянство памяти» — это одна из самых известных работ Сальвадора Дали. На ней впервые появились, возможно, бессмертное изображение художника: “мягкие часы”.

 “Мягкие часы”  выступают в качестве метафоры, дабы подчеркнуть эфемерность  человеческой природы, наше неизбежное угасание, а также и то, что наша одержимость природой времени оборачивается против нас.

Изображенный на фоне реалистичного пейзажа, ´мягкий´  автопортрет Дали лежит, растекаясь по скале.  Художник использовал скалы и странный блоки в качестве ´тяжелых´  контрастов мягким формам часов и головы.

 Одни часы стекают по стенке блока, подчеркивая разность их сущности.

Другие — свисают с ветки мертвого дерева. Еще одни – лежат поперек головы Дали.

Действительно, он был буквально порабощен временем.

В своей автобиографии, Дали объяснил, что образ ´мягких часов´ пришел к нему после разглядывания супер-мягкого сыра Камамбер. Дали писал, что, Гала всегда защищала его от жестокой реальности, так что «для всего мира я притворяюсь все более и более сильным, а внутри себя я могу расти в своей мягкости и супермягкости». 

    На меня картина произвела сильное впечатление. Приковав взгляд, погрузила в длительные раздумья. И даже спустя время, когда изображения уже нет у меня перед глазами, я мысленно постоянно возвращаюсь к нему.

Образ Часов Дали (так уж я их окрестила), мне близок чрезвычайно, пожалуй, это мой самый любимый образ, созданный Им. Но, в данном случае, я вряд ли оригинально

— Почему у вас часы растекаются? — спрашивают меня.

— Но суть не в том, что они растекаются! Суть в том, что мои часы показывают точное время.

Page 3

essential_dali 

«Сон»

   В 30-хх годах художники Сюрреалисты  переместились на арену снов,  черпая в них  вдохновение, постепенно отходя от идеи автоматизма, которой  были отмечены начало движения приверженцев этого направления в искусстве. 

   «Сон» был написан в 1931 г., но основной образ, голова женщины, впервые появился годом ранее на картине «Фонтан», где, хотя и на заднем плане, она, словно магнит, притягивал взгляд зрителя. На создание этого образа Дали вдохновил монумент в Барселоне.

    На переднем плане работы  – бюст женщины, написанный простыми, металлически-серыми цветами. Её волосы застыли мягкими волнами над головой, будто  плывут. Используемые цвета и  кажущаяся неподвижность, воскрешают в памяти классический миф о Медузе.

   У женщины нет рта, на его месте ползают муравьи, а глаза ее кажутся намертво закрытыми (так же как и глаза гигантской головы на картине  «Сон» 1937 г.)  Отсутствие рта и застывшая поза подразумевают потерю контроля и паралич. Еще, будучи ребенком, Сальвадор нашел маленькую летучую мышь, по которой ползали муравьи, с тех пор они для него стали символом смерти и разложения.

Page 4

essential_dali 

«Градива, нашедшая останки Антропоморфиза» (1931г. холст, масло)

Основой для этой картины, послужила история, проанализированная Фрейдом, о Немецком археологе, который увидел рельефное изображение гречанки Градивы и влюбился в него. Позже, он нашел свою истинную любовь, перевоплощение Градивы.

https://www.youtube.com/watch?v=G1FEDnt9fOM

Сюрреалисты позаимствовали этот миф. Для них Градива воплощала в себе образ женщины, двигающей вперед, женщины, ведущей к самопознанию.

Для Дали Градивой была Гала, воплощением его прошлых, выдуманных любимых, его музой. 

В картине  «Градива, нашедшая останки Антропоморфиза», Дали играет с историей Градивы.

  Изображенная на переднем плане, на фоне плоского, темного ландшафта, она обнимает фигуру каменного человека (Антропоморфиза).

Некоторые части фигуры покрыты трещинами, на месте лица  и на теле — дыры, тем самым подразумевается, что существо не имеет каких-либо частей, являющимися основополагающими для  человека.    

 По форме Антропоморфиз похож на фигуру, изображенную на картине «Одиночество»,  которая может быть интерпретирована как  изображение самого Дали. На плече Антропоморфиза можно увидеть чернильницу художника.  А Градива – это Гала.

Антропоморфизм — наделение человеческими качествами животных, предметов, явлений, мифологических созданий

Page 5

essential_dali 

«Сон приближается» (1932г., холст, масло).

 Картина погружает в атмосферу загадочного сна, которая создается люминесцентным предрассветным небом.  На переднем плане изображено ложе, задрапированное белой материей.

На песчаном пляже стоит обнаженный мужчина. Дали написал его в классической манере: в расслабленной позе, со слегка развернутым корпусом и с приподнятой рукой. Прорисовывая его тело, художник создал иллюзию кружащегося темного пламени по его спине.

Справа, рядом с двумя деревьями,  которые наполовину все еще погружены во мрак, стоит высокая башня с единственным окном на самом верху.  По всей высоте покрыта трещинами, с обвалившейся штукатуркой она выглядит полуразрушенной.

Среди других работ Сальвадора Дали эту башню можно увидеть на картине «Всадник смерти» (1934г.), она являются символом желания и смерти. В своих автобиографиях художник объяснил это как дань его детским воспоминаниям о мельнице, где он испытал очень противоречивые чувства   по отношению к девочке.

В переводе описания этой картины, я позволила себе некоторые вольности, так как мое виденье отличается от мнения автора (Кирстен Брэдбери)   

Page 6

essential_dali 

«Истинное изображение „Острова мёртвых“ Арнольда Бёклина в час Анжелюса» (1932г. холст, масло)

    Это полотно — переработанная картина швейцарского живописца Арнольда Бёклина «Остров мертвых».В то время Дали писал эскизы с полотен швейцарца. Сам Беклин не дал название своей работе,  а то которое мы знаем, она получила от торговца картинами. Автор же намеренно  оставил ее без названия, дабы зритель сам интерпретировал ее.

   Мысли Арнольда Бёклина были очень близки к тем взглядам, которых придерживались Сюрреалисты, в особенности Сальвадор Дали.

  Справа, на каменном кубе стоит чашка, из которой торчит длинный жезл. Используя интерпретацию Фрейда, которая просматривается в более ранних работах Дали, можно рассматривать любой резервуар как символ женского начала, а любой жезл – мужского.

Если истолковать эти объекты  как мужчину и женщину, становиться понятным, почему в название картины художник включал ‘Анжелюс’.

    Изображенный на картине остров не похож на Бёклинский.  По форме он напоминает голову с картины «Параноидальное лицо», написанную приблизительно в то же время.

Page 7

essential_dali 

«Ретроспективный бюст женщины»

Это произведение – реконструкция скульптуры, созданной Сальвадором Дали в 1933г. для Сюрреалистической выставки в Pierre Colle Gallery в Париже. Художник в своей автобиографии поведал историю о гибели бюста: он был атакован собакой Пикассо, которая жадно слопала хлеб с головы женщины.  

Фарфоровый бюст ярко контрастируют с современной картонной полоской намотанной вокруг шеи. Муравьи ползают по лицу женщины, символизируя тление. На голове лежит хлеб. Сальвадор Дали очень часто использовал  его в своих работах, объясняя это желанием сделать эстетичные, «бесполезные» произведения искусства из вещей полезных, символизирующих пищу и священность бытия.

https://www.youtube.com/watch?v=1Ag983Q3FbU

На самом верху скульптуры бронзовая репродукция «Анжелюса» Милле.

К теме «Анжелюса» Дали возвращался снова и снова, вплоть до конца 1979г., когда он написал картину  «Рассвет, полдень, закат и сумерки», которая демонстрирует, что его все еще притягивает угроза, исходящая от женщины. 

Page 8

essential_dali 

«Никрофильный источник, бьющий из рояля»

В 30-хх гг. Сальвадор Дали на своих картинах часто изображал рояль. Семья Пичот, близкие друзья семьи Дали, любили давать концерты под открытым небом и порой с участием рояля. Именно этими своими воспоминаниями художник объяснял сюрреалистические явления этого музыкального инструмента на своих  полотнах.

Центральное место на картине занимает огромный рояль. На его крышке зияет дыра, сквозь которую растет кипарис. Эти деревья также частое явление в работах мастера. Например, на картине  «Сон приближается». Они напоминали ему имение Пичотов, где Сальвадор провел много длинных часов, придаваясь мечтаниям. 

Слово ´Никрофильный´,  в названии картины, указывает на невротический страх Дали, о том, что сексуальный контакт может привести к смерти.  Дыра в рояле нарисована таким образом, что создается ощущение, что она заполнена водой, так, словно рояль – это место зарождение ´Никрофильного источника´.

Под клавишами, сквозь  круглое отверстие  источник вытекает в яму, по форме напоминающую рояль. Она наводит на мысль о могиле и смерти, таким образом источник становится ´Никрофильным´.

Page 9

essential_dali

    «Треугольный час» (1933г. холст, масло)

    После своего первого появления на картине «Постоянство памяти», ‘мягкие часы’ Сальвадора Дали стали постоянным образом на его полотнах. Однако часы на этой картине отличаются от остальных:  они сделаны, словно из камня, а не метала, кроме того, они не ‘текут’ так как остальные, а лишь слегка деформированы.

   Часы висят так, словно на стене кухни.  Под ними,  отверстие  в скале, сквозь которое видно равнину Ampordan, и можно рассмотреть фигуру ребенка с обручем.

    На скале стоит, выполненный в традиционном стиле бюст мужчины, лицо которого исказила гримаса, а на голове его – булыжник. Похожий камень Дали изобразил с другой стороны скалы, и  еще на одной скале, находящейся в тени на переднем плане картины.

    Одна из интерпретаций этой работы —  это то, что Дали видел человечество и время полностью управляемыми единственно природой.   

Page 10

?

Видео:Почему ты одинок? Так задуманоСкачать

Искусство существовать в одиночестве: художник Эндрю Уайет

Давно хотела представить картины этого художника,с детства полюбившегося мне…

И вот,наконец,перелопатив весь интернет,соединила две статьи о нем,добавила ,что нашла по своему вкусу, и выношу вам на просмотр.

Ветер с моря и холод по спине…Пронизывающие насквозь картины Эндрю Уайета(Andrew Wyeth) (это первая статья)

«Великая страна нуждается не в ярких красках, а в ярких людях. Величие в простоте. А самый простой и естественный цвет — серый, цвет обычной земли, которую истоптал башмак фермера, чье лицо, как и землю, выветрили ветра и лишил колорита пот того, кто трудится на земле.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Я убеждён в том, что искусство художника способно преодолеть лишь такое расстояние, какое способна преодолеть его любовь», — писал Уайет.

Что ж, его искусство покорило не только планету, но и время.

А то что человек смертен, — так это только на Земле.

«Самая важная вещь в искусстве — это эмоции, но они должны быть вашими собственными, так же как ваши затруднения, ваши мучения, когда вы создаете картину. Это большая опасность знать, как подать лицо, изобразить ель. Натура никогда не может быть формулой. Я должен почувствовать модель, чтобы ее написать.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Господи, когда я начинаю по-настоящему во что-то вглядываться, в простой предмет, и осознавать его сокровенный смысл, если я начинаю ощущать его, этому нет конца.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Дочь Магги».

«Я добиваюсь чувства отчужденности модели от зрителей. Для меня важно сохранить долю тайны внутри картины.» Эндрю

https://www.youtube.com/watch?v=Qqk072b39C0

Уайет (Andrew Wyeth)

«Там было жарко, я открыл окно, и вдруг, ветер вздул занавеску, которая не шевелилась, наверное, лет 30. Боже, это была фантастика! Тоненькая тюлевая сеть взлетела с пыльного пола так стремительно, словно это был не ветер, а привидение, дух, которому открыли выход. Потом я полтора месяца ждал западного ветра, но, к счастью, в памяти жил этот волшебный взмах, от которого – холод по спине.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Я ищу реальность, реальное чувство предмета, всей структуры вокруг него… Я всегда хочу видеть третье измерение чего-то… Я хочу ожить с объектом.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Не важно, что именно ты делаешь, важно, чтобы все, к чему ты прикасаешься, меняло форму, становилось не таким, как раньше, чтобы в нем оставалась частица тебя.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Сюжету я уделяю слишком много места. Если я в конце концов и стану действительно стоящим художником, то только тогда, когда откажусь от него.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Вы можете увидеть тот же самый предмет в любое время дня или в вашем воображении в мириадах тоновых изменений. Вообще говоря, мне скучно писать новые для меня предметы. Мне гораздо интереснее представить вещь, которую я видел многие годы, в новом свете.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«И тут на вершине холма показалась маленькая фигурка в зеленом немодном пальто с пелериной. Покрытый жухлой прошлогодней травой, освещенный слепящим зимним светом бесконечный этот холм вдруг приблизился. В этой худенькой женщине, рука которой повисла в воздухе, я увидел себя, свою мятущуюся душу.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«У меня действительно нет студий. Я блуждаю по чердакам людей,в полях,в подвалах, везде я нахожу что-то, приглашающее меня.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Отец говорил: «Чтобы жизнь ребенка была творческой, он должен иметь собственный мир, принадлежащий только ему».

Я очень рано начал рисовать, и отец считал, что колледж художнику не нужен: меня учили приходивший на дом преподаватель, сам отец и его друзья-художники. И он добился своего.

Еще немного, и я навсегда остался бы в Шервудском лесу Робин Гуда. Оттуда я все-таки выбрался, но ушел в свой мир.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Я весьма скептически отношусь к настроению картины, если это настроение придается ей сознательно.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«У меня сильно развита романтическая фантазия по поводу вещей, и именно это я изображаю. Но я делаю это в реалистической манере. Если вы не можете подкрепить свои фантазии правдой, то получается очень, я бы сказал, сутулое искусство.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Стараюсь реагировать на все – сделаться вроде резонатора, всегда готового вибрировать в тон колебаниям, исходящим от чего-то или от кого-то. И я часто схватываю уголком глаза беглое впечатление виденного, волнующую вспышку…»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Я не могу передать какое-то чувство без связи с данным местом. В самом деле, я думаю, ваше искусство будет тем выше, чем глубже вы любите то, что изображаете.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Я видел массу портретов, люди на них как живые – все написаны без доли страсти. Детали точно скопированы. Это ужасно. Вы никогда не сможете понять изображенных, в картинах нет жизни.

Есть художник, который хочет продемонстрировать собственную личность. Для меня все, что я пишу, обретает значение большее, чем я сам. Только полоумный может подчеркивать свою ценность, как создателя.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Я рисую эти холмы вокруг Чедз-Форда не потому, что они лучше, чем холмы в других местах, а потому, что я родился здесь, жил здесь, – для меня они полны смысла.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

«Мир Кристины»

«Понимаете, важно постоянное присутствие на месте действия. Мне надо жить в окружении того, о чем я пишу. Тогда в какой-то момент можно ухватить смысл.

Когда я писал «Мир Кристины», я пять месяцев работал над полем… Я хотел бы написать только поле без Кристины и заставить почувствовать ее присутствие.

Делать фон – это как строить дом, чтобы потом там жить… Если сдержать себя, дождаться правильного момента, он может решить все дело.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

Мистик-домосед

Эндрю Уайет родился в 1917 году в Пенсильвании, в небольшом городке Чеддс-Форд. Отец его, известный книжный иллюстратор Ньюэлл Уайет, обучил сына своему ремеслу, и тот уже в возрасте двадцати лет открыл свою первую выставку акварелей.

https://www.youtube.com/watch?v=nrl0Dq4fMRI

Она имела успех, все картины, выставленные в Галерее Макбет, на удивление быстро раскупили восторженные ценители. Успех и дальше сопровождал молодого художника, и уже к 1955 году он становится членом Национальной академии дизайна и Американской академии искусств и литературы.

Не так быстро, но приходит к нему и международное признание. И хотя его картины и выставки колесили по всему миру, сам Уайет всегда отличался почти полным отсутствием интереса к каким-либо поездкам и путешествиям.

Всю жизнь он провёл там, где родился. А на летние месяцы переселялся в городок Кушинг, штат Мэн.

«Я сознательно не люблю путешествовать, — писал в своих дневниках Эндрю Уайет. — После путешествия вы никогда не возвращаетесь такими же — вы делаетесь более эрудированными… Я боюсь утратить что-нибудь важное для моей работы, может быть, наивность».

Неудивительно, что на всех его картинах — пейзажи всего двух мест, а герои полотен — соседи, живущие неподалёку. Выбор в качестве модели человека, с которым хорошо знаком, уважительное внимание к каждому — этому правилу художник почти никогда не изменял.

Да и рисуя природу, он, прежде чем взяться за кисть, стремился познакомиться с ней максимально близко и мог часами лежать на земле, вглядываясь в маленькую веточку или цветок, — «вживаться в их бытиё».

Окружающую действительность и повседневность Эндрю возвёл в ранг самого ценного, что может быть дано человеку. Порой кажется, что, погружаясь в любой объект своего творчества, художник старается проникнуть сразу в суть всех вещей.

И передаёт это на холсте настолько точно, что незаметно переходит грань между видимым внешним и внутренним миром. Не зря искусствоведы, описывающие его творчество, заговорили об Эндрю как о «мистическом гиперреалисте».

Вселенная Хельги

Каждое драматические событие в личной биографии всегда событие и в художественном пространстве Уайета. Одно из таких событий — встреча с Хельгой Тесторф. Трудившаяся на соседней ферме немка-эмигрантка, которую взяли на работу в дом соседи, стала человеком, через которого Уайет открывал и познавал на холсте, казалось, целую Вселенную.

Как итог — 247 картин за почти 15 лет с главной героиней — женщиной со скуластым, ничем не примечательным прусским лицом и широко расставленными глазами. Картины создавались в тайне от всех, даже от жены, и художник впоследствии никогда не комментировал ни историю возникновения этой серии, ни обстоятельства работы.

Лишь однажды, в дневнике, описал первый момент этой перевернувшей его жизнь встречи: «И тут на вершине холма показалась маленькая фигурка в зелёном немодном пальто с пелериной.

Покрытый жухлой прошлогодней травой, освещённый слепящим зимним светом, этот холм преобразился. В этой худенькой женщине, рука которой повисла в воздухе, я увидел себя, свою мятущуюся душу».

Когда цикл работ с Хельгой Тесторф открылся миру, журналисты просили хотя бы жену художника что-то сказать по этому поводу. Она ответила: «Ему повезло, что полотна оказались гениальны, иначе я бы его убила».

* * *

Искусство Эндрю Уайета — это искусство существовать в одиночестве. И оно знакомо каждому. Вот на холсте только пустые холмы и фигурка путника, двигающегося не покоряя, но подчиняясь и принимая пространство.

Взгляду современного зрителя, привычному к зовущим, ярким объектам, не за что зацепиться — и без этой опоры теряешь равновесие и погружаешься в себя. Тогда вибрирующая напряжённость живого поля, пронизывающего весь мир, завораживает зрителя.

«Я убеждён в том, что искусство художника способно преодолеть лишь такое расстояние, какое способна преодолеть его любовь», — писал Уайет. Что ж, его искусство покорило не только планету, но и время. А то что человек смертен, — так это только на Земле.

Художник прожил долгую жизнь, оставив тысячи полотен, и перешёл в иной мир в возрасте 91 года в своём доме, во сне.

«В искусстве важно не потерять чистоту. Я сознательно не люблю путешествовать.

https://www.youtube.com/watch?v=7k8bfXhzyBI

После путешествия вы никогда не возвращаетесь такими же — вы делаетесь более эрудированными…

Я боюсь утратить что-нибудь важное для моей работы — может быть, наивность.»

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)

Вот что пишет в своем блоге художница Мария Трудлер

Люди рвутся в путешествия, стремясь объездить весь мир, чтобы познать себя. А я знаю одного американского художника, который почти не путешествовал, проведя всю свою жизнь в родном городке.

Он не получил художественного образования, даже не закончил среднюю школу.

Был замкнут, вел дневник, был привязан к своим друзьям и знакомым. Его зовут Эндрю Уэйет.

Должна признаться, я все время забываю его имя. Нахожу его в интернете только по названию картины, которую люблю больше всего — «Мир Кристины». Картина — потрясающая.

Сквозь нее видишь чувства этой девочки так, как-будто сама лежишь в этом поле и смотришь на тот дом вдалеке. Такое сногсшибательное мастерство. Я не люблю реализм в живописи.

Но от его картин не могу оторвать взгляда. Не знаю, что так действует на меня. Они совершенно фантастичны. Ими дышишь и не можешь надышатся. В них какая-то глубокая тайна. Полуоткрытая.

Как-будто чуть-чуть еще всмотришься — и все станет понятно. О жизни, смерти, любви, одиночестве. Вечности… Почти рембрандтовское, приглушенное освещение.

Ощущение от света и тени, как от главных героев картин, наравне с одиночеством.

От которого идешь к морю, подставляя свое лицо ветру. Бежишь в поле.

Прячешься, сворачиваясь в клубок на кровати. Стоишь у окна. Взбираешься на крышу дома, сидя там часами. Атмосфера в его работах — пронзительная до озноба, до мурашек.

Дневниковые записи пробирают не меньше, чем сокровенная сдержанность картин.

Читая его мысли, видишь романтика, главная цель которого показать не свое блестящее техническое ремесло, а свои страстные чувства. Он говорил, что никогда бы не позволил никому наблюдать за собой во время рисования. Живопись для него — это что-то очень личное. Как любовь.

Поэтому его мастерская — это поля, подвалы, чердаки, старые дома и лодки.

Художник писал акварелью и темперой. Стиль Эндрю Уэйета определяют, как мистический гиперреализм или магический реализм. Я до знакомства с ним не представляла, что реализм может иметь такое неописуемое воздействие.

Обычные, неприметные куски реальности, обыкновенные предметы, портреты его любимой Хельги — а пробирает так, что не по себе становится. Как-будто падаешь в его картины и теряешься в них.

Все такое настоящее. Эндрю Уэйет — мой любимый художник-реалист. Он для меня стал примером того, что даже сквозь фотографическую реальность можно так показать свои чувства… Пронзит насквозь.

Как холодный, северный ветер с моря. А я ведь пока его картины не увидела, считала реалистичность антиподом искусства. За поверхностность, бездушность.

Вот такая ирония судьбы. Author name: Maria Trudler Publish date: 12.01.2012 Discussion: 41 Comments Categories:

Мысли об искусстве About Maria Trudler: Привет. Меня зовут Мария Трудлер.

Я художник. Люблю искусство. Во всех видах и проявлениях. Пишу картины, рисую.

Веду рукописный дневник о творчестве в свободное от рисования время.

Избранные записи публикую на блоге. Follow on Contact the author

🎦 Видео

картина «одиночество» в наличии #художник #art #artist #картинаназаказ #рисую #интерьер #одиночествоСкачать

название картины: "одиночество"Скачать

ОДИНОЧЕСТВО. БОРИСОВ-МУСАТОВСкачать

"Одиночество" 18.10.23г Каждый день по новой картинке, целый год! #art #artist #p13 #арт #картинаСкачать

НОЧНОЙ ГОРОДСКОЙ ПЕЙЗАЖ - картина маслом: Одиночество в ночи. Валерий Рыбаков.Скачать

Процесс написания картины "Одиночество". Будни художника. Painting "Loneliness"/ Weekday artistСкачать

Вермеер. Караваджо. Рени. Одиночество в живописи и художники-одиночкиСкачать

ОдиночествоСкачать

ДЛЯ КАКИХ ЛЮДЕЙ СОЗДАНО ОДИНОЧЕСТВО?Скачать

Картина называется «Одиночество в city”Скачать

Картина маслом "Одиночество"Скачать

Об одиночествеСкачать

Эдуард Доронин "Одиночество в софитах"Скачать

Как мы переживаем одиночество и формируем привязанности | Елена СергееваСкачать

#2 Painting acrylic | Уединение , одиночество |Скачать

Вечный покой и бесконечное одиночество в творчестве русских художниковСкачать

галерея "Джаньлань" подборка "Одиночество"Скачать

Чем полезно Одиночество? САМОРАЗВИТИЕ.Скачать